'Greenberg', vida de un gilipollas

Intento no hacer nada

-Roger Greenberg

En un largo plano, una chica joven de aspecto triste —pero no demasiado— y vestida como una mezcla de grunge y hippie —supongo que su atuendo se llamará posthippismo o algo así— conduce un coche por la ciudad de Los Ángeles. El tratamiento de la imagen y la luz da al film un aire setentero. Suena la Steve Miller Band y los títulos de crédito nos informan de que la banda sonora corre a cargo de James Murphy. No hay duda: ‘Greenberg’ es una película ‘indie’. Más tarde leo que no, que más bien forma parte de un —pequeño— movimiento llamado “mumblecore”, consistente en películas de bajo presupuesto, con actores improvisando sus textos y con guiones que versan sobre personajes cotidianos en situaciones cotidianas. O sea, que la diferencia con el cine “indie” es…bueno, dejémoslo. ‘Greenberg’ está considerada como la película mainstream del movimiento, por contar con un presupuesto holgado y tener como protagonista a un actor como Ben Stiller. Pero el que espere carcajadas, se ha equivocado de película. Y cómo.

Roger Greenberg, el protagonista de la película de Noah Baumbach, se mueve por el mundo como un pez fuera del agua. Quizá por eso pensaron en Ben Stiller para el papel: un cómico dentro de un drama. Es ésta una operación análoga a la realizada por Jim Carrey en films como ‘Olvídate de mí’ o ‘Man on the moon’ (id, Milos Forman, 1999), pero con quien guarda más concomitancias es con el Adam Sandler de la interesante ‘Punch-drunk love’ (id, Paul Thomas Anderson, 2002). Como aquél, el personaje tiene ciertos problemas mentales —nunca queda muy claro de qué tipo— que le provocan ciertos desajustes emocionales y un comportamiento cuanto menos errático. Hay una cierta tensión que se traslada a la pantalla porque uno espera ver en cualquier momento uno de los descacharrantes ataques de furia a los que nos tiene acostumbrados el actor.

Greenberg se va a pasar una temporada a la casa vacía de su hermano en Los Ángeles mientras éste está de vacaciones. Hace quince años que no iba por allí, desde que sufrió una crisis nerviosa que le afectó a la movilidad de las piernas y decidió marcharse a Nueva York. En aquella época, tenía un grupo con su amigo Ivan —Rhys Ifans, otro cómico reciclado para la causa— y una relación con una chica interpretada por Jennifer Jason Leigh, mujer en la vida real del director y productora del film. Ahora Greenberg es carpintero a ratos y el resto del tiempo se dedica a no hacer nada, aparte de escribir cartas de protesta a líneas aéreas, Starbuck’s o compañías de taxis —lo que recuerda a otro famoso judío: “Herzog”, del libro homónimo de Saul Bellow—.

Al tiempo que se reencuentra con su antigua vida, conoce a la encargada de cuidar la casa de su hermano —la rubia del principio, Greta Gerwig, musa del dichoso mumblecore—, con la que empezará una relación sentimental realmente complicada. Y esto es así porque hay algo importante que aún no he dicho, y es que Greenberg es un completo gilipollas. El cine está lleno de antihéroes, de personajes antipáticos con los que es imposible empatizar, y el de Ben Stiller podría ser uno más. Pero le falta una característica fundamental: que sea interesante. Y éste no lo es. Nada. Cero. Y si perdemos el factor interés, los bruscos cambios de humor del idiota protagonista, su incapacidad de relacionarse con la gente y la incoherencia con que se comporta con su pareja, nos la traen al pairo. Y ahí muere la película y se convierte en un plomo. Cierto es que existen personajes como el que describe el señor Baumbach, y no todos los protagonistas deben tener una rica vida interior o ser fascinantes hasta el delirio, pero debe existir un cierto cariño hacia ellos, y aquí no lo hay. Y es una pena, porque es una cinta que está bien rodada técnicamente, posee una espléndida fotografía, una curiosa banda sonora y buenas interpretaciones. El esfuerzo de Ben Stiller es loable, pero le pierde un poco el querer apartarse de su vis cómica habitual y su actuación peca de un excesivo hieratismo.

La película se contagia de la personalidad de su protagonista y todo está narrado como sin ganas, con una sucesión de momentos poco interesantes muy reales todo ellos, sí, pero cansinos, como un relato en low-fi. Esta técnica funciona mejor en el mundo del cómic, concretamente en los que son denominados como slice of life , de autores como Daniel Clowes, Chester Brown o Alison Bledchel. La intimidad que crea con el lector, que muchas veces se ve reflejado en sus páginas, no se consigue en ‘Greenberg’ en ningún momento. Cierto que hay escenas en que el espectador despierta un poco del sopor, como la fiesta que organiza la sobrina del protagonista y en la que éste comprende que debe comenzar a madurar, que no puede seguir siendo el eterno Peter Pan que se niega a tomar decisiones. Pero la sensación de hastío con la que viven las criaturas de Noah Baumbach —autor también del guión— se transmite como un virus al otro lado de la pantalla.

Una vez que termina el film, busco información y descubro que el señor Baumbach es guionista habitual de los films de Wes Anderson, y todo empieza a cuadrar. Reconozco mi total incapacidad de entrar en el mundo tan moderno del respetable Anderson, y por ende, el de ‘‘Greenberg’. Esto no es cine moderno por mucho que se empeñen, es celuloide rancio, nacido viejo y sin nada que decir. El prestigio no es esto, Ben Stiller. Hay más verdad y sabiduría fílmica en cualquier plano de ‘Zoolander’ (id, Ben Stiller, 2001), que en este pretencioso mamotreto.

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S. Darko II | descargar S. Darko II Dvdrip en español latino

Descargar película S. Darko en formato Dvdrip con audio latino gratis, en esta secuela que salio directo a DVD veremos como ya Samantha tiene 18 años y viaja a los Angeles pero al caer un meteorito empieza a tener sueños apocalípticos sobre la destrucción del universo una película de ciencia ficción y extraterrestres, descargar S Darko en calidad dvdrip  en español latino desde varios servidores intercambiables.

Ficha Tecnica de Los Indestructibles

• Titulo: S. Darko II
• Titulo en Español: S. Darko II
• País: USA
• Año: 2009
• Duración: 103 min.
• Tamaño: 800 MB
• Compresión Video: xvid
• Frame Rate: 23.976
• Compresión Audio: MPEG-1 Audio Layer 3
• Compresion Archivo: Winrar
• Dimensiones: 648×360
• Idioma: Español latino
• Calidad: DVDRip
• Formato: avi
• Hosting:Filesonic,Fileserve,Netload.in y Megaupload
• Género: Crimen | Misterio | Ciencia-Ficción | Suspenso
• Uploader: tompedro
• Info: http://www.imdb.es/title/tt1231277/

Capturas de Los Indestructibles

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'Cars 2', cartel y tráiler

Aquí os traigo más material de ‘Cars 2’, la nueva producción de los estudios Pixar. Tras un primer avance, ya podemos echar un vistazo al primer cartel oficial y un nuevo tráiler de la secuela de ‘Cars’, que estará en los cines de todo el mundo el próximo verano, en salas 2D, 3D e IMAX.

‘Cars 2’ ha sido dirigida por John Lasseter (responsable de la primera entrega) y el debutante Brad Lewis. La sinopsis oficial facilitada por Disney es la siguiente: La estrella de las carreras de coches, Rayo McQueen (Owen Wilson) y la incomparable grúa Mate (Larry The Cable Guy) llevan su amistad a nuevos y emocionantes lugares cuando se dirigen al extranjero para competir en la primera World Grand Prix, que determinará cuál es el coche más rápido del mundo. Pero el camino hacia el campeonato estará lleno de baches, desvíos y sorpresas cuando Mate se vea atrapado en una trama de espionaje internacional al salvar la vida de un agente secreto británico Aston Martin llamado Finn McMissile. Dividido entre ayudar a Rayo McQueen en una carrera de alto perfil y superar con éxito una misión de espionaje de alto secreto, la acción llevará a Mate a un persecución explosiva por las calles de Japón y Europa seguido por sus amigos ante la atenta mirada del mundo entero.

A continuación os he dejado el tráiler de la película, con sus dos montajes diferentes, el primero para Estados Unidos y el segundo para España (supongo que destinado al mercado europeo). No diré cuál es mejor, sólo que oír la voz de Michael Caine en el primer vídeo no tiene precio. Espero vuestro veredicto.

PD: Es curioso cómo en cada artículo relacionado con esta secuela, en todos los sitios que suelo visitar, no tardan en aparecer comentarios pidiendo insistentemente ‘Los increíbles 2’. Seguro que los chicos de Pixar están al tanto.

Vía | Yahoo y ZonaFandom

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'Linterna Verde' ('Green Lantern'), tráiler

Ya lo tenemos aquí, pero no sé si es lo que teníais en mente. Warner Bros. Pictures ha lanzado el esperado tráiler de ‘Linterna Verde’ (‘Green Lantern’), uno de los estrenos más potentes del año que viene. Personalmente, no me ha entusiasmado nada el avance, creo que repite demasiado lo que ya han ofrecido otros títulos anteriores (y en concreto me ha recordado a ‘Los 4 Fantásticos’), pero aun así me sigue interesando la película, como seguidor del cine fantástico confío en que habrán logrado sacar algo de provecho de este interesante superhéroe de DC Cómics. Cruzo los dedos.

Dirigida por Martin Campbell (‘El Zorro’, ‘Casino Royale’, ‘Al límite’), ‘Linterna Verde’ está protagonizada por Ryan Reynolds, quien interpreta a Hal Jordan, un piloto temerario cuya vida cambia por completo cuando recibe un poderoso anillo verde que le otorga extraordinarios poderes, convirtiéndose así en miembro de un escuadrón intergaláctico cuya misión es mantener la paz en el universo. Blake Lively, Peter Sarsgaard, Tim Robbins, Mark Strong, Taika Waititi, Temuera Morrison y Angela Bassett completan el reparto. La película estará en los cines el próximo 17 de junio, en salas 2D y 3D.

A continuación os dejo una nueva imagen promocional del film y el tráiler subtitulado (se ve un poco peor), con el eslogan y el título ya traducidos al castellano.

PD: ¡Gracias a todos los lectores que habéis avisado!

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Two And a Half Men | Descargar Two And a Half Men Temporada 8 Capitulo 9

Descargar serie Two And A Half Men Temporada 8 Epsidoio 9 “A Good Time in Central Africa con subtítulos en español desde servidores intercambiables. Berta se toma un par de dias libres y el reemplazo de ella hara qe charlie pierda la cabeza por ella. Por otro lado Alan sufre un acoso bueno eso es lo que el cree. Diviértete con las ocurrencias Charlie, Alan y Jake en la serie Two and a half men “Dos hombres y medio” en un nuevo episodio “A Good Time in Central Africa”

Datos del Episodio:

• Titulo: “A Good Time in Central Africa”
• Emision: 16 Noviembre 2010
• Episodio:
• Dimensiones: 624 x 352
• Calidad: HDTV (Avi)
• Duracion: 21:38
• Tamaño: 175 mb
• Idioma: Ingles
• Subtitulos:
• Genero: Comedia

Para poder realizar las descargas ingresa a http://peliculas-y-series.programasfull.com/ y registrate, es facil y rapido!

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'Stoker', Park Chan-wook prueba suerte en Estados Unidos

A finales de junio os informaba sobre un llamativo proyecto titulado ‘Stoker’, que partía de un guión escrito por la estrella televisiva Wentworth Miller (‘Prison Break’). En aquel momento no se había contratado aún a ningún director, y se rumoreaba que el puesto lo acabaría ocupando Ridley o Tony Scott, que producirán la película a través de su compañía Scott Free. Pero no será así. Salvo contratiempos de última hora, Park Chan-wook (‘Old Boy’) será quien se encargue de ‘Stoker’.

Será el primer trabajo del reputado cineasta coreano en Estados Unidos, y sorprende que lo vaya a hacer trasladando a la pantalla un guión ajeno, hasta ahora siempre había estado implicado en la escritura de sus películas. Veremos qué tal le va, si le dejan un poco de libertad puede asombrar al gran público norteamericano. La historia de ‘Stoker’ gira en torno a una joven que, tras la muerte de su padre, ve cómo su excéntrico tío vuelve a entrar en su vida. Se supone que es un drama, pero ahí entra todo y dudo que Park se haya interesado por un material blando y lacrimógeno, seguro que se acerca al terreno del thriller. Ahora mismo, el reparto está encabezado por Carey Mulligan y Jodie Foster. Ayer os comentaba que la primera protagonizará la nueva versión de ‘El gran Gatsby’, pero que el rodaje no podía comenzar pronto porque Leonardo DiCaprio (el nuevo Gatsby) tenía compromisos previos; Mulligan no iba a ser menos y es probable que ‘Stoker’ no sea lo último en lo que se embarque antes de trabajar a las órdenes de Baz Luhrmann.

PD: No sería raro que Park se hubiera implicado en esto para ayudar a financiar el costoso proyecto que está preparando junto a su amigo Bong Joon-ho, la adaptación del cómic ‘Snow Piercer‘ (‘Rompenieves’).

Vía | LATimes

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'Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte I', la magia vuelve a la saga

Lo que son las cosas. Justo cuando uno pierde la esperanza, o quizá precisamente por ello, el cine te da sorpresas. Durante buena parte del (extenso) metraje de ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte I’ (‘Harry Potter and the Deadly Hallows’, David Yates, 2010) me restregaba yo los ojos de incredulidad (los momentos en que no maldecía en silencio a los cientos de fans de la saga que abarrotaban la vetusta sala de cine en la que me metí, que reían cada chiste y suspiraban a cada gesto) porque un milagro estaba sucediendo en la pantalla: estaba viendo una buena, una gran película de aventuras por momentos. No las tenía yo todas conmigo, la verdad, pues el director es el mismo de las bastante mediocres y aburridas quinta y sexta parte, y no pensaba que fuera posible que de repente le viniera la inspiración y se pusiera a filmar con brío y potencia. Y, sin embargo, me equivocaba.

La saga empezó con dos películas dirigidas por el mercenario Chris Columbus, se dignificó con la maravillosa tercera parte de Cuarón, y luego fue bajando poco a poco. De la más que digna cuarta parte, pasamos a las mencionadas quinta y sexta. La anterior a esta, que era quizá uno de los mejores libros de Rowling, fue masacrada para hacer esa sosería de ‘El misterio del príncipe’, que dejaba fuera lo más interesante de la historia original. Entré hoy en la sala cruzando los dedos, soñando con aventura de la buena: tensa, oscura, a ratos desesperada, violenta, cruenta, feroz. Y encontré todas y cada una de esas cosas e incluso más. Que el mito del mago adolescente volvía a robustecerse ante mis ojos, que el cuento maravilloso de la Rowling volvía a ser creíble, y que la fábula me arrastraba como se supone que tiene que hacerlo, si complejos y sin fallos. No sé si es un producto del azar, y no importa: disfruté como hacía tiempo que no lo hacía con una película de aventuras.

Todo comienza con muy buenos presagios. La larga secuencia en la mansión de los Malfoy, con los mortífagos reunidos, es magnífica. Ya se percibe que se lo han tomado en serio de una vez. Sin música y sin exageraciones, sentimos flotar en el aire una tensión y una malevolencia realmente notables. Por una vez, la cámara de Yates se sitúa siempre donde debe, y lo cuenta todo sin prisas. Creía yo que sería un espejismo que pronto se desvanecería, pero nada de eso. Salvo algunas caídas leves de ritmo, la tensión y la cadencia se mantienen durante los casi ciento cincuenta minutos que dura el espectáculo. Yates, salvo en la malograda secuencia de persecución del bosque, se muestra firme en todo momento, e incluso imaginativo visualmente. También es cierto que la historia es bastante buena, pero ya lo era en la sexta novela, que fue masacrada en el guión de Steve Kloves. Aquí se mantienen más fieles a la novela, y salen ganando, sin duda.

Creo que hacía mucho que la profunda y en cierto modo compleja amistad entre Harry, Ron y Hermione no estaba retratada y enriquecida con tantos matices, y tan hermosos. La razón fundamental es que cada uno de ellos está increíblemente bien definido, y llega a emocionarte su verdad anímica y el modo diferente en cada uno de ellos tiene de enfrentarse a sus miedos. Esto se suma, claro, a que en el guión están muy bien trenzadas sus actitudes y motivaciones, de modo que conforman una suerte de relevo contínuo en el que cada cual va obteniendo sus momentos de lucimiento, pero también sus momentos de miseria. Dado que no hay la menor imagen de Hogwarts, y que nos encontramos en un verdadero relato de itinerario, como una ‘road movie’ desesperada, era fundamental que cuidaran hasta el más mínimo detalle el juego de réplicas, situaciones e incertidumbres del grupo, y así lo han hecho. Sumado a que Radcliffe, Watson y Grit están dirigidos con gran solidez, y siempre resultan creíbles.

En el apartado de los villanos, esperamos que en la segunda parte de esta historia, el gran Alan Rickman brille todo lo que ha brillado durante la saga entera, porque aquí tiene una muy breve, pero inolvidable aparición, y en la recta final de la historia del niño mago tiene una importancia capital. Pero ya se encarga Ralph Fiennes, ese gran actor, de hacernos pasar miedo como el fascinante y luctuoso Voldemort, y sus apariciones son siempre brillantes y perturbadoras. Por su parte Helena Bonham Carter hace su mejor aparición como Bellatrix Lestrange, y otras nuevas adquisiciones como Guy Henry sorprenden por representar un casting muy ajustado, sin fallas. Por supuesto que tenemos un poco de moralina por aquí y un poco de sentimentalismo por allá, pero son gotas muy pequeñas en comparación con el torrente de tenebrismo y melancolía que invade el filme.

El diseñador de producción de la película es, como en todas las demás, el británico Stuart Craig, pero algo cambia. La dirección de fotografía de las dos anteriores había corrido a cargo de Slawomir Idziak y de Bruno Delbonnel, a mi juicio dos buenos operadores que no supieron extraer convenientemente el universo de esta saga. Sin embargo aquí, y en la segunda parte de esta película, es responsabilidad de uno de los mejores operadores del mundo, el portugués Eduardo Serras, que hace un trabajo poco menos que soberbio, sin duda entre los dos mejores de la saga. Su sutilidad a la hora de transmitir los sentimientos de los actores, su labor con las luces, su exquisito gusto en los exteriores, se notan, y de qué manera. Habiendo siendo el operador de maravillas fotográficas como ‘El protegido’ (‘Unbreakable’, Shyamalan, 2000), ‘La joven de la perla’ (‘Girl with a Pearl Earring’, Webber, 2001) o ‘El marido de la peluquera’ (‘Le mari de la coiffeuse’, Leconte, 1990), aquí vuelve a demostrar su genio.

Lo mismo que uno de los músicos más en forma de la actualidad, el francés Alexandre Desplat, que no para de encadenar grandes proyectos, y que aquí vuelve a dar muestras de su gran personalidad estética y de su capacidad para la épica y la evocación, en una partitura sensacional, que entronca a la perfección con el espíritu creado hace diez años por John Williams. No hay respiro y la esencia folletinesca, en el más alto sentido de la expresión, regresa a la saga, con gran fuerza, activando la expectativa para la definitiva película en un final extenuante, desolador, que nos da muchas esperanzas de que la octava película sea, esta vez sí, una gran película de aventuras, en la que las aventuras del niño (ahora adolescente) mago conozcan un más que digno final. Lo sabremos en julio del año que viene.

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Lie To Me | Lie To Me Temporada 3 Episodio 6

Descargar serie Lie To Me Temporada 3 Episodio 6 “Beyond Belief ” en calidad HDTV. Lightman es un detective muy especial capaz de rsolver casos que el FBI o la misma policía no pueden, con su habilidad de poder de interpretar el lenguaje corporal de los sospechas con la finalidad de resolver los misterios. Descárgate el último episodio de Lie Tome “Beyond Belief”

• Release name: Lie.to.Me.S03E06.HDTV.XviD-LOL-Th4nos
• Source:Lie.to.Me.S03E06.HDTV.XviD-LOL
• Tamaño: 350 MB Aprox
• Compresión Video : XviD MPEG-4 Codec
• Compresión Audio : MPEG Layer-3
• Dimensiones: 624×352
• Idioma : Inglés
• Subtítulos : Español no pegados
• Fecha de emision : 16 de Noviembre 2010
• Capítulos por temporada : ?
• Servidores intercambiables
• Info: http://www.imdb.com/title/tt1196946/

 

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Grandes duelos a espada en el cine

Un duelo a espada, en el cine, es mucho más que dos tipos dándose leña con dos armas blancas. Debe ser una coreografía, una danza, un engaño en el que muchas veces no se ven a los dobles o especialistas que llevan a cabo los temerarios movimientos. Yo creo que nos encantan porque sabemos lo difícil que es manejar estas armas, y porque es mucho más bello y noble que liarse a tiros. También porque hay espadas muy hermosas, casi míticas. He aquí diez duelos. Y aunque no valdrá de nada decirlo porque luego algunos protestarán igual, aviso que no es una lista cerrada, que por supuesto faltan muchos más y que para eso están los comentarios:

Si ‘Espartaco’ (‘Spartacus’, Stanley Kubrick, 1960) contenía la madre de todas las batallas del cine, seguramente ‘Scaramouche’ (id, George Sidney, 1952) contiene el padre de todos los duelos a espada. En una batalla final que es un prodigio de planificación, de escenografía, de ritmo… El duelo puede quedar algo anticuado para los que nacieron con las florituras de Darth Sidious, pero a mí me sigue resultando impresionante. Carece totalmente de música, está hecha sin dobles ni especialistas, y queda como un clásico y elegante duelo a espadas. Inolvidable trabajo de George Sidney.

La película de Anthony Mann contiene momentos buenos y momentos peores, pero no hay duda de que el duelo de espadones por la ciudad de Calahorra entre El Cid y Don Martín Gómez es una de las buenas, duele verlo. Así tiene que ser, con esas espadas que pesaban diez kilos y medían metro y medio. Está tan bien hecha la secuencia que es imposible imaginarse las cámaras y las luces detrás. Barbarismo en una España lejana.

Hay tantos duelos en esta película que es difícil escoger uno, pero para variar un poco el tono me quedo con la bella danza entre Espada Rota y Sin Nombre en el lago, para honrar la muerte de Nieve Voladora. Luego averiguamos que es todo mentira, pero da igual. Lo que importa es ver reflejado en el lago la cadena de montañas de detrás, el impresionante colorido, el duelo de gotas de agua, los giros, la música hipnótica…y como Espada Rota retira una gota de agua del rostro de Nieve Voladora.

El conmocionador duelo final de la película debía estar entre estos diez, obligatorio. Más de cinco minutos de esgrima salvaje, en la que se olvidan todos los protocolos, las amistades, las lealtades, y mientras empieza a nevar, los dos espadachines se golpean, gritan, sangran, cortan, se llenan de nieve…hasta que aparece Xiao-Mei y llega el terrible final…

Sin lugar a dudas la mejor película de toda la saga, y aunque hay combates mucho más espectaculares y vistosos en la nueva trilogía, no creo que nadie esté en desacuerdo en que el combate final entre Vader y Luke, desde el foso en el que congelaron a Han hasta un puente suspendido en un abismo, pone la piel de gallina por su violencia emocional y por la perfección de su crescendo, hasta una conclusión estremecedora.

Por supuesto, la secuencia es la de el hombre de negro contra Íñigo Montoya, que comienza con un maravilloso diálogo sobre el padre del segundo y la espada que fabricó a su propio asesino. Espada que ahora él lleva al cinto y que deja coger a su adversario antes de ponerse a luchar. Luego, en una coregrafía insuperable, el hombre de negro va demostrando a su adversario que todo lo que él hace, él lo hace mejor. Secuencia magistral.

Los duelos entre samurais o guerreros de toda índole siempre fueron veloces y casi invisibles al ojo en el cine del gran Akira Kurosawa. En esta película de 1961, que luego sería versionada por Leone en ‘Por un puñado de dólares’ (‘Per un pugno di dollari’, 1964), y por Walter Hill en ‘El último hombre’ (‘Last Man Standing’, 1996), el solitario samurai se enfrenta a cuatro tipos con malas pulgas, y en menos tiempo del que es posible darse cuenta, los fulmina. La planificación de Kurosawa me parece que no se enseña en ninguna escuela de cine. Así nos va. Es un momento incluido en este clip de video que he encontrado en Youtube.

Estupenda secuencia para una no menos estupenda película, que quizá quedó eclipsada por la cercanía con ‘Braveheart’ (id, Mel Gibson, 1995). El combate entre Rob Roy y Archibald Cunningham es uno de los más impresionantes que he visto en una película. Tim Roth y Liam Neeson, como suele ser habitual en ellos, lo bordan. La esgrima es extraordinaria y tremendamente veraz, y la violencia certera y sin exageraciones. Una maravilla.

La película con la que Tarantino lleva a cabo su particular homenaje al cine de samurais que tanto amó en su juventud, se cierra con el espectacular combate entre La Novia y los 88 maníacos, al que sigue la secuencia de encima de estas líneas, en la que por fin accede a O-Ren, que la espera tranquilamente en un escenario de ensueño. El combate dura bastante, y además de un duelo de espadas, es un duelo de estilos y de fortaleza mental. Tarantino llevaba bien aprendida la lección.

Y para finalizar, otra de George Sidney, filmada cuatro años antes que ‘Scaramouche’. El estilo es muy clásico, parecido al de la película posterior, pero igualmente pícaro, juguetón e ingenioso, esta vez con el saltarín de Gene Kelly, que puede ser un D’artagnan un poco improbable, pero que resulta muy divertido, y que físicamente da el pego. Saltos y cabriolas que dejan a uno estupefacto.

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'El paciente inglés', amores que matan

Quizás el cine sea un misterio incluso para los propios directores, y una vez que desentrañan ese misterio, como un acertijo interior, los que durante un tiempo hicieron trabajos mediocres o menores, deslumbran con una creación poco menos que sublime, impensable hasta ese momento por su trayectoria previa, aunque en ella puedan encontrarse trabajos estimables. Tal podría ser el caso del bueno de Jonathan Demme con su excepcional ‘El silencio de los corderos’ (‘The Silence of the Lambs’, 1991), o de Anthony Minghella con ‘El paciente inglés’ (‘The English Patient’, 1996), hasta el punto que resulta extraño e incluso irrelevante que ambos consiguieran el Oscar por ellas. Minghella, que había alcanzado un prestigio bastante notable en el teatro, la radio y la televisión británicas, sólo había dirigido dos largometrajes antes de presentarse con esta maravilla, y con ninguno de ellos había destacado especialmente. Una vez más se demuestra que para convertirse en un artista lo más importante es una pasión arrolladora, como la que Minghella experimentó cuando leyó la novela.

Ví por primera vez esta película hace muchos años, casi quince, y no pude explicarme qué extraña tensión psíquica produjo en mí, hasta el punto de olvidarme completamente de su historia y de quedarme atrapado en sus imágenes y sonidos. La he vuelto a ver (por segunda y tercera vez consecutivas) y me ha emocionado profundamente y de nuevo he vuelto a olvidarme de sus tramas secundarias y a quedarme atrapado en gestos, miradas, planos, cortes y movimientos. Como en la sinfonía de ‘Casino’ (id, Martin Scorsese, 1995) o en el barroquismo melódico de ‘Drácula de Bram Stoker’ (‘Bram Stoker’s Dracula’, Francis Ford Coppola, 1992), ‘El paciente inglés’ convierte una suerte de tragedia o melodrama en verdadera música. No incluyendo grandes temas orquestales en su partitura para manipular los sentimientos del espectador y para sonsacarle las lágrimas, sino convirtiendo los elementos sonoros y visuales más básicos en una partitura, en un todo armónico que se percibe como tal desde el subconsciente, y que se enrosca en el ánimo, elevándolo en un adagio que no deseas que termine nunca.

La novela original de Michael Ondaatje (nacido en Sri-Lanka en 1942) cautivó hasta tal punto a Minghella, que no pudo evitar, según sus propias palabras, hacer una película con esa historia. Una historia fascinante, por otro lado. Durante la II Guerra Mundial, en un abandonado monasterio italiano, cuatro personas se encuentran en un momento especialmente delicado de sus vidas. Un misterioso hombre calcinado al que le restan pocos días de existencia, su no menos misteriosa (y bella) enfermera, un desactivador de bombas sij y un vagabundo al que le han amputado los pulgares. Tirando del hilo de sus respectivas vidas, y de los motivos y circunstancias (eso que llaman destino) que les han llevado a ese lugar y no a otro en todo el mundo, descubren que conocerse no ha sido ningún azar, y nosotros descubrimos una historia de amor, deseo y celos, cuyo epicentro desencadena un terremoto emocional que toca y desestabiliza varias vidas, hasta el punto de destruirlas, y es que el amor en esta película no es una fuerza positiva, en ningún modo, más bien un agente destructivo, tóxico, que a cambio de unos fugaces momentos de felicidad y pasión entrega odio, desesperación, dolor y oscuridad…hasta que otro amor, el de la fraternidad, el perdón y la amistad acude a restañar las heridas y a redimir el tormento de los recuerdos.

Puede ser ‘El paciente inglés’ (no lo sé, porque no me he puesto a investigar, pero quizá lo sea) la película con más flash-backs en muchos años de cine. En ella hay no menos de cuarenta viajes al pasado, al interior de la memoria de un moribundo, un ser que en otra época fue un hombre mezquino y altivo, pero también noble y apasionado, el conde Laszlo de Almásy. El recuento de los hechos que le convirtieron en un pedazo de carne chamuscada es el eje del relato. Y en esos hechos se yergue como una sombra al mismo tiempo frágil y tempestuosa la figura de Katharine Clifton. El conde está interpretado por uno de los mejores y más versátiles actores de su generación, el británico Ralph Fiennes, que es uno de los pocos que podía otorgar a ese rol la necesaria ambigüedad moral y el imprescindible magnetismo de un sujeto tan imperfecto. Ella, por otra parte, es la genial intérprete Kristin Scott Thomas, que nunca estuvo más bella y más elegante que aquí, y que sabe inocular una veracidad admirable a su personaje.

Cuando hablo de cine-música no me refiero a una secuencia que dependa de la música para existir, o para darle sentido. Tampoco de una imagen que parezca creada a partir de la música. Estoy hablando de imágenes que provocan en el espectador las mismas emociones que una melodía o una sinfonía. Aunque lo ideal sería ver esta película sin la maravillosa banda sonora de Gabriel Yared, pero sí con sus sonidos, la he visto casi entera en silencio, sin audio, y me ha maravillado el modo asombroso en que Minghella mueve a sus actores y a su cámara, y a todos los elementos que habitan en el encuadre, y la manera en que con el montaje pasa a otro encuadre, en el cual los ritmos y la intensidad siguen provocando, como en una nota sostenida, las mismas emociones. Ignoro si era consciente de lo que estaba creando, pero esta puesta en escena, en sí misma extraordinaria, convierte al tristemente fallecido Minghella (a la corta edad de cincuenta y cuatro años) en un coloso de su oficio, en un director con un inmenso sentido visual y rítmico.

El legendario Walter Murch (montador de las más importantes películas de Francis Ford Coppola), que ganó dos Oscar con esta película, ha explicado en diversas ocasiones la enorme complejidad de las mezclas y el montaje de sonido, que le llevó muchos meses de trabajo y muchos cortes desechados. Porque aquí hasta el mínimo detalle sonoro es de una importancia capital, y existe por un motivo estético o emocional antes que narrativo. Los recuerdos son evocados por la abstracción absoluta que nuestra mente hace de las imágenes y de los sonidos, que como tesoros semienterrados vuelven a la luz, y cuyo andamiaje fundamental son esas imágenes y esos sonidos idealizados y perfeccionados en nuestro interior. Sólo así los recuerdos perdidos, el pasado terrible del conde, puede afectarnos tanto como le afecta a él, y de pronto nos convertimos en personas chamuscadas por esos recuerdos, enfebrecidas, y por ello más vivas que antes. Porque en este relato se dan la mano, una y otra vez, las tres únicas cosas que verdaderamente existen: los recuerdos, el dolor y el placer.

La enfermera está interpretada por la hermosa actriz Juliette Binoche, una compasiva mujer que a su vez encontrará una pasión en la figura del zapador sij llamado Kip, interpretado por Naveen Andrews (el Sayeed Jarrah de ‘Lost’). Y el vagabundo está encarnado por el estupendo actor Willem Dafoe, que está fabuloso en su rol vengativo y posteriormente redentor de David Caravaggio. Ellos conforman el presente del paciente inglés, y su peripecia vital, en lugar de entorpecer sus viajes al pasado, los enriquecen todavía más, como un tema musical de apoyo, sin el cual el tema principal no alcanzaría tanta verdad y belleza. Tanto el presente como el pasado está inundado de una inasible melancolía, de un sentimiento de pérdida inminente casi angustioso, pues ante todo es un filme sobre la soledad, y sobre la dignidad y la fortaleza de esa soledad, asaltada por unos recuerdos que no se eligen, pero que son lo único que queda.

Iluminada de forma impecable por el gran operador John Seale, con un diseño de producción muy cuidado y muy sobrio de Stuart Craig, asistimos a la crónica de una doble derrota: la del amor y la de la vida. Su salvaje final nos hiere hasta lo más profundo, pero su energía, su misterioso ritmo, su lírica musicalidad interior, nos hace un poco más libres y un poco más lúcidos. Su historia de amor es la de dos seres egoístas e infelices, que sólo pueden estar juntos estando separados, que se desprecian y que se admiran al mismo tiempo. Minghella, que nunca más haría algo tan hermoso y trágico, ni los juzga ni los ensalza. Simplemente nos hace testigos de la eterna dificultad y tensión de una pasión devoradora.

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'American Beauty', ya no hay héroes

Al final, aunque parezca mentira, las fechas cuadran. Seguramente porque la épocas quedan influidas por las mentes creativas que viven en ellas, y no a la inversa. Pero poco importa. Que en 1999 confluyeran filmes como ‘Una historia verdadera’ (‘The Straight Story’, David Lynch), ‘El sexto sentido’ (‘The Sixth Sense’, M. Night Shyamalan) o ‘American Beauty’ (id, Sam Mendes) puede ser un azar, o la confirmación de que en el arte el azar no existe. Que a finales de los años noventa, y del siglo XX, la ficción audiovisual, sobre todo la norteamericana, encontrara estos, entre otros, iconos del fin de una era, es bastante ilustrativo. Pero lo es aún más cuando Alvin Straight (Fansworth) significa, de alguna manera, la defunción del western, cuando Malcolm Crowe (Willis) es todo un antihéroe del personaje del thriller clásico, y sobre todo cuando Lester Burnham (Speacy Spacey) en ‘American Beauty’ representa todo aquello que el cine clásico norteamericano (el más conservador, se entiende) ha querido siempre evitar: el hombre de mediana edad, hastiado, de miserable vida sexual, patético entorno familiar, gris vida laboral, y en conjunto la mentira del sueño americano.

Que, además, la película fuera dirigida por un británico de gran trayectoria teatral, el oriundo de Reading Sam Mendes, también tiene su ironía. Eso sí, el guión es de un norteamericano como Alan Ball, nacido en la muy sureña Atlanta, lo que es un dato importante. Entre ambos construyeron la certificación del fin de una Estados Unidos que durante tantas décadas se nos ha vendido (el que quiso lo compró) como un paraíso capitalista en el que sus criaturas siempre serán felices y sonrientes. No es la primera vez, ni mucho menos, que una película (norteamericana o no) indaga en los fantasmas y en las argucias de la ‘happy life’ estadounidense, pero pocas veces se ha hecho con tanta mala uva y con tanta lucidez, a través de una familia que de belleza tiene más bien poco, aunque su guionista y su director no tengan reparos a la hora de ofrecerles una cierta dignidad y una cierta redención. No es un filme perfecto, porque quizá tampoco quiere serlo. Es un zarpazo a lo políticamente correcto, al estado de bienestar y a la falsa moral.

No creo exagerar si digo que gran parte de la carga crítica de esta película proviene de la pluma de Ball, más que de la cámara de Mendes. El británico, desde entonces, intentó un ataque al belicismo y a la maquinaria militar norteamericanos con la fallida ‘Jarhead’ (id, 2005), y un nuevo estudio del vacío familiar y personal en la floja ‘Revolutionary Road’ (id, 2008), que está bien dirigida pero que hace añorar el trabajo de su debut como director en ‘American Beauty’. Estos filmes carecen de la potencia transgresora de aquella. Mientras que Alan Ball ha continuado indagando con gran éxito en la América más real y menos acartonada, con la inigualable serie ‘A dos metros bajo tierra’ (‘Six Feet Under’, 2001-05) y con la divertida parábola cultural y social de ‘True Blood’ (id, 2008-presente). Pero poco importa de quien sea el mérito, porque el guión y los diálogos de Ball son excelentes, y la puesta en escena y la dirección de actores de Mendes impecables.

El centro dramático de este relato es la disfuncional familia, de clase media-alta, de los Burnham, que habitan en un suburbio cualquiera de Estados Unidos (el estado es indiferente para la historia, aunque la ciudad aparenta ser Chicago), cuyo padre es un oficinista aburrido y en crisis existencial, cuya madre es una fracasada vendedora de inmuebles obsesionada con el éxito y con guardar las formas , y cuya hija adolescente es una chica apocada y acomplejada físicamente. Cada uno de ellos se encuentra en un laberinto interior de difícil salida, y las soluciones que tomarán para salir de él, a cual más patética y desesperada, conducirán a un final impredecible, que llegará en admirable crescendo, y que dinamitará las convenciones sociales que tanto les asfixian. Entre tanto, una feroz y desprejuiciada descripción de un barrio que es como cualquier otro en cualquier país occidental del mundo.

Para Sam Mendes y Alan Ball, Estados Unidos es un crisol de frustraciones, de consumismo, de hipocresía, de sexo reprimido. Esos son sus temas, y los explotan hasta el final, sin concesiones. Si Lester (un estupendo Speacy Spacey, muy creíble como aburrido y fracasado hombre medio) se fija en la amiga adolescente de su hija (interpretada por una sensual Mena Suvari), y siente por ella una atracción irresistible, al menos eso le sirve para mover el culo, hacer ejercicio y preocuparse un poco más por su físico y su amor propio. Si Carolyn (una magnífica Annette Bening) engaña a Lester con la competencia, al menos vuelve a sentirse deseada de nuevo y vuelve a saber lo que es estar cerca del éxito. Y si la adolescente Jane (impecable Thora Birch) conoce al tipo raro de la clase, que resulta ser un traficante de drogas y un voyeur impenitente, por lo menos encuentra el amor y a alguien que la acepta tal como es.

En lo marginal o en lo inmoral radica, quizá, una forma de libertad o, al menos, una vía de escape a una existencia sin el menor sentido. Existe en esta película una cierta comprensión y dignidad a unos seres tan patéticos, especialmente a Lester, cuyas ensoñaciones con la rubia Angela poseen unas altas dosis de surrealismo y de transgresión, sin perder jamás la elegancia, y que luego volveremos a ver en muchos capítulos de ‘A dos metros bajo tierra’. La espléndida fotografía de Conrad L. Hall, que le valió un merecidísimo Oscar, se encarga de transmitir con gran sutilidad, y siempre con el uso del color y la iluminación, el estado anímico preciso en cada momento. La compleja gama de emociones y conductas que los personajes experimentan en este viaje, es siempre nítida, y siempre esconde una segunda intención ulterior, que se irá desvelando progresivamente, como el secreto del personaje de Suvari, como lo que es capaz de hacer el padre de Ricky (interpretado por el gran Chris Cooper) por recuperarle, como la redención final de Lester…

Dijo Sam Mendes que daría cualquier cosa porque su carrera fuera la mitad de lo que fue la carrera de Billy Wilder, mientras Speacy Spacey afirmó que su verdadero maestro había sido Jack Lemmon. En verdad hay mucho, y de lo mejor, de Wilder en los vericuetos formales y en la feroz anarquía de un relato que, sin embargo, cierra de una forma tan hermosa y tan lírica, con la muerte como el espejo final en el que vemos lo mejor de nosotros mismos. Una muerte que nos acerca un poco a la obsesión por ella que Alan Ball cristalizaría en la citada serie sobre una familia de funerarios. Y aunque el amargo final podría haber sido, o eso es la sensación que a mí me da, bastante más salvaje, lo cierto es que, al menos, hemos sido capaces de vernos en un espejo que exige una feroz lucha con nosotros mismos.

Es una, en muchos sentidos, admirable película, aunque sus leves arritmias y una cierta propensión a no dinamitar todos los conceptos que trata, terminan rebajando levemente su alcance. Con ella Sam Mendes debutaba inmejorablemente, aunque luego su carrera ha dado bastante menos de lo que se esperaba. Mi escena favorita es aquella en la que el personaje de Chris Cooper besa a Speacy Spacey, con la esperanza de comprender por qué ha perdido a su hijo (en lugar de, como decían algunos, expresar su homosexualidad, lo que no tiene sentido en un momento tan terrible para él). Los ojos de Cooper delatan su dolor y su incomprensión de forma absoluta.

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Harry Potter And Deathly Hallows Descargar Soundtrack Gratis

Harry Potter And Deathly Hallows el Soundtrack de la ultima película de Harry Potter. Soundtrack Harry Potter And Deathly Hallows contiene 26 temas usados en la producción de la película “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte”, muy buenos temas ambientando la fantasía, la aventura y la magia en la película Harry Potter 7 .  Descargar Soundtrack Harry Potter And Deathly Hallows Mp3 Gratis.

Información Soundtrack Harry Potter And Deathly Hallows

* Album: Harry Potter And Deathly Hallows Part I
* Artista: Alexandre Desplat
* Año: 2010
* Género: Soundtrack
* Formato: .Mp3
* Bitrate: 183 kbps
* Tamaño Del Archivo: 96 MB
* Formato De Compresión: .rar

Tracklist Soundtrack Harry Potter And Deathly Hallows

01. Obliviate
02. Snape To Malfoy Manor
03. Polyjuice Potion
04. Sky Battle
05. At The Burrow
06. Harry And Ginny
07. The Will
08. Death Eaters
09. Dobby
10. Ministry Of Magic
11. Detonators
12. The Locket
13. Fireplaces Escape
14. Ron Leaves
15. The Exodus
16. Godric’s Hollow Graveyard
17. Bathilda Bagshot
18. Hermione’s Parents
19. Destroying The Locket
20. Ron’s Speech
21. Lovegood
22. The Deathly Hallows
23. Captured And Tortured
24. Rescuing Hermione
25. Farewell To Dobby
26. The Elder Wand

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The Mentalist | The Mentalist Temporada 3 Episodio 9

Descargar serie The Mentalist Temporada 3 Episodio 9 “Red Moon” en calidad HDTV con subtítulos en español desde servidores intercambiables. Patrick Jane acepta la ayuda de un astrólogo local, Ellis Marte, para resolver el caso sorprendente de un triple homicidio que involucra a dos policías y el novio de un trabajador de la EMT. The Mentalist una excelente serie de Misterio que va en su tercera temporada y que semana a semana podrás disfrutar de un nuevo episodio con subtítulos en español.

• Release name: The.mentalist.s03e08.hdtv.xvid-2hd-Th4nos
• Source: The.mentalist.s03e08.hdtv.xvid-2hd-Th4nos
• Tamaño: 350 MB Aprox
• Compresión Video : XviD MPEG-4 Codec
• Compresión Audio : MPEG Layer-3
• Dimensiones: 624×352
• Idioma : Inglés
• Subtítulos : Español no pegados
• Fecha de emision : 11 de Noviembre 2010
• Capítulos por temporada : ?
• Servidores intercambiables
• Info: http://www.imdb.com/title/tt1196946/

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Da comienzo la 48ª edición del Festival de cine de Gijón

Hoy se inaugura la cuadragésimo octava edición del Festival de cine de Gijón 2010, que se extenderá hasta el día 27 en la localidad asturiana y durante la que se entregará el Premio Nacho Martínez a la actriz Charo López.

El que podría ser el segundo festival más célebre de nuestro país cuenta con una larga lista de secciones, además de la Sección Oficial Largometrajes Competición: Sección Oficial Largometrajes Fuera de Competición, ¿Europa? ¿Qué Europa?, Una cierta idea de cine. La Escuela de Berlín, Sección Oficial Cortometrajes, Competición Especial: Rellumes, Enfants Terribles, Esbilla, Llendes, Eugène Green, La noche innombrable, Johannes Nyholm, Kim Longinotto, Reynold Reynolds, Vila do Conde, Noche del Corto Español, Día D’Asturies, No nos cuentes películas, ¡hazlas! y Competición no ficción.

De todas las películas que se proyectarán en la Sección Oficial a Concurso, aunque parezca ciencia ficción, las que más me llaman la atención son las españolas. Quizá se deba a que he leído más sobre ellas y, por lo tanto, la información de la que dispongo me despierta el interés. Dos de las más apetecibles son ‘La mitad de Óscar’, de Manuel Martín Cuenca, y ‘Todas las canciones hablan de mí’, de Jonás Trueba —hijo de Fernando y sobrino de David—, que se estrenará para todos el 10 de diciembre y a la que pertenece la imagen del inicio. Fuera de competición, se estrena otra española a la que le tengo muchas ganas: ‘No controles’, de Borja Cobeaga (2010. 100’), para la que tendremos que esperar hasta febrero de 2011.

La lista de participantes es la siguiente:

‘Alamar’, de Pedro González Rubi. (2009. 73’). ‘Aurora’, de Cristi Puiu. (2010. 180’). ‘Kak ya provel etim letom’, de Alexei Popogrebsky (2010. 124’). ‘Los labios’, de Iván Fund, Santiago Loza (2010. 100’). ‘Mar?i, dupã Crãciun’, de Radu Muntean (2009. 99’). ‘Meek’s Cutoff’, de Kelly Reichardt (2010. 104’). ‘Tilva Rosh’ de Nikola Lezaic (2010. 103’). ‘Todos vós sodes capitáns’ de Oliver Laxe (2010. 79’).

Varias de estas películas ya han concursado o se han presentado en los Festivales de los que hemos ofrecido información recientemente, como el de Cannes, Venecia, Toronto, Sundance, Berlín… por lo tanto, de casi todas os hemos hablado.

A partir de ahora, quedaremos pendientes de las reacciones de crítica y asistentes a las proyecciones y daremos noticia de los galardonados.

Vía | Gijón Film Festival.

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'Calabuch', lejos del mundo

Recientemente fallecido, Luis García Berlanga fue uno de los grandes directores españoles de todos los tiempos, perteneciente a una época, en la que empezó a hacer cine, que personalmente considero como la mejor de toda la historia española, cinematográficamente hablando. ‘Calabuch’ (1956) fue filmada años después de su primer gran éxito, ‘Bienvenido Mr. Marshall’ (1953), y es inmediatamente anterior a los tres títulos de su director que personalmente más me gustan: ‘Los jueves, milagro’ (1957), ‘Plácido’ (1961) y ‘El verdugo’ (1963), las dos últimas con guión de Rafael Azcona, dos de las más grandes obras maestras de la historia del cine, y no sólo del español.

Para rendir nuestro particular homenaje en Blogdecine, he elegido una de las películas más exitosas de su realizador, y que un servidor en concreto es de las que más olvidadas tenía. Estamos hablando de una de las cintas en las que el peculiar humor negro de su autor, y sobre todo su mirada crítica, son más suaves que en el resto de su filmografía. Su influencia hay que buscarla en las cintas del neorrealismo italiano, tan en boga aquellos años, en alguna que otra cinta de Tati, y sobre todo en una de las grandes películas de John Ford, ‘El hombre tranquilo’ (‘The Quiet Man’, 1952), de la cual hablaremos en su momento.

‘Calabuch’ narra la historia de un pueblecito valenciano, el que da nombre al título del film. Hasta allí llega Jorge Serra Hamilton, famoso profesor que decide pasar inadvertido en el pueblo, huyendo de los experimentos en los que sus conocimientos son usados en beneficio militar. Tomado como un vagabundo compartirá celda con un hombre apodado “El langosta”, con el que iniciará una nueva y sentida amistad, la misma que le unirá al resto del pueblo, que irán aceptando a Jorge como uno más, sobre todo después de hacerles quedar de primeros en un concurso de fuegos artificiales.

No estamos ante una de las obras maestras de su autor. El propio realizador afirmó años después que si tuviera que volver a hacer alguna de sus películas, ‘Calabuch’ la reharía de nuevo completamente, parándose más en las gentes del pueblo. Sin embargo, el paso del tiempo ha tratado bien una película que tal vez sea de las más sentimentalistas de su autor, lo cual no está reñido con la calidad. Una comedia costumbrista que habla sobre una utopía, la de llevarse bien con todo el mundo haciendo lo que uno siempre quiere, o mejor aún, lo que más le gusta. Todo ello reflejado en un pueblo habitado por una galería de personajes de lo más variopinta.

Así pues Jorge —en realidad George— conocerá al Langosta, un traficante de buen corazón que pasa sus días en una cárcel muy peculiar, de la que puede salir cuando le venga en gana, pues las ocupaciones del pueblo requieren de su presencia; Matías, un guardia civil que es la autoridad del pueblo, el típico malhumorado pero un buenazo en el fondo; el farero, que en sus jornadas laborales juega al ajedrez por radio con el cura, más preocupado éste por las luces de su iglesia; la profesora del pueblo, enamorada en secreto del “langosta”, y cómo no, correspondida por aquél, una especie de amor imposible que irónicamente sólo puede tener lugar en Calabuch; el pintor, especie de alter ego del propio Berlanga, ya que fue pintor en su juventud.

Como en sus demás películas, el director toca temas como la política, la religión y la educación, pero esta vez la crítica es muy suave, casi amable y condescendiente. La intención de Berlanga es lanzar un mensaje de optimismo, reflejado en las gentes del pueblo que aceptan de buen grado a un extranjero del que no saben absolutamente nada. Incluso cuando el profesor es descubierto, todos hacen caso omiso intentando que se quede entre ellos, escondiéndolo si es necesario. En Calabuch no hay malos pensamientos, todo el mundo se lleva bien, es una especie de paraíso terrenal, y Berlanga realiza una especie de cuento con sus gentes. Una de esas historias bienintencionadas que gustan a todo el mundo, y que el director concluye con un golpe de cruda realidad.

‘Calabuch’ supuso la última película del actor inglés Edmund Gwenn, en cuyo currículum encontramos películas como ‘Enviado especial’ (‘Foreign Correspondet’, Alfred Hitchcock, 1940), ‘De ilusión también se vive’ (‘Miracle on 34th Street’, George Seaton, 1947) o ‘La humanidad en peligro’ (‘Them, Gordon Douglas, 1954). En cuanto a la lista de secundarios podemos ver las caras de ilustres como Manuel Alexandre o Pepe Isbert, rostros únicos de nuestro cine.

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The Reef | Descargar The Reef R5

The Reef 2010 de género Thriller en calidad R5 con audio Ingles.  The Reef una historia 5 personas de paseo en velero por los arrecifes mas maravillosos del mundo, pero la suerte no está a su favor, el velero choca con los arrecifes y naufraga, pero hay una posibilidad de sobrevivir y solo es nadando a mar abierto hasta la isla tortuga, cuatro de ellos deciden hacerlo exponiendo sus vidas en especial al gran tiburón blanco un asesino al asecho.  Descargar The Reef R5 desde múltiples servidores.

Información The Reef

Título Original: The Reef
Año: 2010
País: Australia
Director: Andrew Traucki
Género: Thriller
Duración: 94 Min.
Peso: 703 MB
Resolución: 640 x 360
Audios: Ingles
Subtitulos: No

Trailer The Reef

Capturas The Reef R5

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'Caza a la espía', la voz del ciudadano

Puede que tengas razón, quizá debí cerrar la boca.

(Joe Wilson)

Es curiosa la relación que se ha establecido entre el estadounidense Doug Liman y el inglés Paul Greengrass, como si fuese una competición, iniciada por el primero pero rematada triunfalmente por el segundo. Liman alcanzó gran notoriedad cuando firmó en 2002 la adaptación de ‘El caso Bourne’, un éxito que provocó dos secuelas más, de las que se encargó hábilmente Greengrass, en 2004 y 2007, logrando no solo taquillazos sino también poner de moda un cine de acción mezclado con la espontaneidad del documental. Mientras el norteamericano se entrega a productos comerciales de escasa relevancia y nulo interés, ‘Sr. y Sra. Smith’ (2005) y ‘Jumper’ (2008), el británico decide escarbar en el 11-S y sus efectos, primero con la controvertida ‘United 93’ (2006), centrada en uno de los aviones secuestrados que chocaron contra las Torres Gemelas, y luego con ‘Green Zone’ (2010), sobre las armas de destrucción masiva en Iraq. Casualmente (supongo), en su nuevo film Liman también se agarra a esa polémica, pero su propuesta sólo ha despertado indiferencia, y le confirma como un realizador del montón, menos interesante de lo que apuntaba.

Con todo, y por eso estoy escribiendo esto, su último trabajo no es totalmente fallido, tiene momentos muy inspirados, con pasión y coraje, rasgos poco habituales en el cine que suele acaparar nuestras carteleras, y por ello considero que merece cierta atención. En especial, creo que hay que destacar que ‘Caza a la espía’ (título español para ‘Fair Game’, 2010) abarca asuntos que, lejos de lo que puede parecer en un principio, nos concierne a todos. La película trata sobre la posibilidad de que los iraquíes estuvieran desarrollando armas nucleares, pero ante todo habla de la democracia y la verdad, del ciudadano y el gobierno, de los derechos y los deberes que se derivan de esta relación. No veo muchas películas que se enfrenten a estos temas, y resultan muy necesarias.

Escrita por John-Henry Butterworth y Jez Butterworth, la película se basa en dos libros, ‘Fair Game’ y ‘The Politics of Truth’, que narran la pesadillesca aventura en la que se vieron envueltos sus respectivos autores, Valerie Plame Wilson y Joseph Wilson. La primera, a la que da vida Naomi Watts, trabajaba como agente secreto para la CIA, hasta que un día, por orden de la Casa Blanca, su identidad es revelada públicamente en la columna de un periódico de tirada nacional, acabando con su carrera y desestabilizando por completo su vida. La razón de este escandaloso acto de traición (por no usar una descripción malsonante) fueron las armas de destrucción masiva que supuestamente se estaban desarrollando en Iraq, según la administración de George W. Bush. Envuelto en la espiral de miedo y odio que todos pudimos observar a través de los medios, Estados Unidos declara la guerra a Saddam Hussein, basándose en unos informes que demostraban que Iraq estaba capacitado para lanzar un ataque nuclear.

Como quedó demostrado, esos informes no se apoyaban en verdaderas pruebas, sino en conjeturas y vagas posibilidades que resultaban muy convenientes en ese preciso momento. Se mintió para iniciar una guerra. Y de ello se da cuenta enseguida Joe Wilson, encarnado en la gran pantalla por Sean Penn. Recomendado por su esposa Valerie debido a su amplia experiencia como diplomático en África, Joe es enviado a Níger por la CIA para recabar información sobre una posible venta de uranio enriquecido a Iraq. El experto comprueba en el terreno que el rumor es totalmente falso y redacta un informe, pero sus conclusiones son utilizadas por el gobierno de Bush en el sentido contrario, empleándolas como una evidencia más de que Saddam estaba intentando fabricar una bomba nuclear. Joe no puede quedarse quieto ante semejante manipulación, y escribe un artículo en el que destapa el engaño que estaba sirviendo para justificar la invasión. Este hecho tendrá consecuencias inesperadas y acabará salpicando al matrimonio Wilson, cuando alguien en la Casa Blanca decide vengarse y machacar a Valerie.

Es ahí cuando comienza realmente lo interesante de ‘Caza a la espía’. Pasado un primer tramo farragoso, muy mal planteado por Liman y los guionistas, lleno de datos, nombres, situaciones y conversaciones atropelladas, que invitan al desinterés y al aburrimiento, como bien apuntaba mi compañera Beatriz en su crítica, estalla el verdadero drama del matrimonio protagonista, el relato se encauza, los actores toman el mando y poco importa si la cámara tiembla demasiado o si ya sabemos cómo acaba todo, los personajes están sufriendo, están pasándolo mal y eso nos importa. Cuando Joe Wilson enciende la mecha y el gobierno decide contraatacar convirtiendo a su mujer en un blanco fácil (a esto se refiere el título del film), y su matrimonio en un infierno, se desata una cruenta y desesperada batalla entre dos voces, la versión oficial, falsa pero muy poderosa, y la de Joe, honesta pero muy vulnerable. Una guerra entre un individuo y su gobierno, que amenaza con aplastarle como un simple insecto.

Pese a lo que sugiere el título, la película de Doug Liman no apuesta por la acción, no es ‘Green Zone’, es un thriller político casado con un drama social que busca defender el importante papel del ciudadano, animar a la gente a ser más activa, a no quedarse indiferente y no conformarse con lo que dicen los políticos, a buscar la verdad y mantenerla siempre, cueste lo que cueste. Un mensaje romántico y necesario, pero también ingenuo, claro, desmontado por la realidad. Uno mira a su alrededor y aunque los problemas son otros, lo que importa es un partido de fútbol, un asesinato en alguna parte o los cotilleos de alguien famoso. Y sin embargo, el caso de los Wilson es real, conviene tenerlo en cuenta. Es una lástima que Liman se pierda tratando de dotar de un realismo absurdo a la imagen (moviendo la cámara hasta en primeros planos en un cuarto de baño) y no aproveche el potencial del material que tenía entre manos, como si hicieron por ejemplo Alan J. Pakula en ‘Todos los hombres del presidente’ (‘All The President´s Men’, 1976) o Michael Mann en ‘El dilema’ (‘The Insider’, 1999). Sobresaliente Penn, notable Watts, estupendo mensaje, mediocre puesta en escena.

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16 Wishes | Descargar 16 Wishes DVDRip

16 Wishes 2010 en calidad DVDRip con audio ingles.  16 Wishes una película familiar de una joven “Abby” en su cumpleaños número 16, se da cuenta que  sus 16 mayores deseos se hacen realidad.  Se convierte en la chica más popular, el hombre más lindo se fija en ella… pero estos cambios podrían alterar la amistad con su mejor amiga. Disfruta en familia “16 Wishes” y recuerda que precipitarse a querer ser mayor no es color de rosa.  Descargar 16 Wishes DVDRip desde múltiples servidores.

Información 16 Wishes

Título Original: 16 Wishes
Titulo Español: 16 Deseos
Año: 2010
País: USA, Canada
Director: Peter DeLuise
Género: Fantasia, Familiar
Duración: 90 Min.
Peso: 701 MB
Resolución: 640 x 352
Audios: Ingles
Subtitulos: No

Trailer 16 Wishes

Capturas 16 Wishes DVDRip

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Estrenos de cine | 19 de noviembre | Vuelve Harry Potter

En una semana como esta, lo cierto es que los estrenos minoritarios tienen pocas posibilidades, al menos de viernes a domingo, de conseguir arrancar alguna entrada al título estrella, que no es otro que la penúltima entrega de la lujosa, famosa y exitosa saga de Harry Potter. Pero también tenemos algunas propuestas de cine español, una gran película Disney en 3D, y alguna que otra cosa para los que no se dejen devorar por este fenómeno mediático. Echad un vistazo:

Título original: Harry Potter and the Deathly Hallows – Part I. Dirección: David Yates. País: Reino Unido. Año: 2010. Duración: 148 min. Género: Aventuras, fantástico. Interpretación: Daniel Radcliffe (Harry Potter), Rupert Grint (Ron Weasley), Emma Watson (Hermione Granger), Ralph Fiennes (lord Voldemort), Michael Gambon (Albus Dumbledore), Bill Nighy (Rufus), John Hurt (Sr. Ollivander), Rhys Ifans (Xenophilius), Helena Bonham Carter (Bellatrix Lestrange), Robbie Coltrane (Rubeus Hagrid), Imelda Staunton (Dolores Umbridge), Jason Isaacs (Lucius Malfoy), Miranda Richardson (Rita Skeeter), Alan Rickman (Severus Snape), Maggie Smith (Minerva McGonagall), Brendan Gleeson (Alastor ‘Ojoloco’ Moody), Timothy Spall (Peter Pettigrew), David Thewlis (Remus Lupin), Julie Walters (Sra. Weasley), Tom Felton (Draco Malfoy), Bonnie Wright (Ginny Weasley), Jamie Campbell Bower (Gellert), Evanna Lynch (Luna Lovegood), Fiona Shaw (Petunia). Guión: Steve Kloves; basado en la novela de J.K. Rowling. Producción: David Heyman, David Barron y J.K. Rowling. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Eduardo Serra. Montaje: Mark Day. Diseño de producción: Stuart Craig. Vestuario: Jany Temime. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Sinopsis: “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte”, la séptima y última entrega de la saga de aventuras de Harry Potter, se estrenará en dos partes. La primera parte comienza cuando Harry, Ron y Hermione se disponen a emprender la peligrosa misión de localizar y destruir elsecreto de la inmortalidad y de la capacidad de destrucción de Voldemort: los Horrocruxes. Solos, sin la ayuda de sus profesores ni la protección de Dumbledore, los tres amigos deben confiar los unos en los otros más que nunca. Sin embargo, entre ellos se interponen fuerzas oscuras que amenazan con separarlos.

¿Qué podemos esperar?: Pues aunque seguramente vaya a verla, me temo que podemos esperar poco, bajo mi punto de vista, por mucho que siempre hay que dar un voto de confianza. Pero el director es el mismo de las muy flojas y sosas quinta y sexta parte, y no creo que de pronto le haya venido la genialidad para filmar cine de aventuras. La música, por primera vez, es del gran Alexander Desplat. Algo es algo. Hace pocos días, Juan Luis Caviaro os propuso una encuesta sobre la saga.

Dirección: Jorge Coira. Países: España y Argentina. Año: 2010. Duración: 107 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Antonio Mourelos, Camila Bossa, Cristina Brondo, Esperanza Pedreño, Luis Tosar, María Vázquez, Sergio Peris-Mencheta, Mario Zorrilla, Víctor Fábregas, Fede Pérez, Jorge Cabezas, Juan Carlos Vellido, María Bouzas, Milan Tocinovsky, Víctor Clavijo, Gael Nodar Fernández. Guión: Jorge Coira, Araceli Gonda y Diego Ameixeiras. Producción: Fernanda del Nido, Luis Tosar, Farruco Castroman y Hugo Castro Fau. Música: Piti Sanz e Iván Laxe. Fotografía: Brand Ferro. Montaje: Jorge Coira. Dirección artística: Antonio Pereira. Vestuario: Mariana Razzetti. Distribuidora: Festival Films.

Sinopsis: Un músico callejero se reencuentra el amor de su vida; dos borrachos desayunan cubatas con marisco; un hombre cocina, cocina y cocina para la mujer que nunca llega; dos hombres se quieren, pero se esconden; una cocinera sueña con ser cantante; una joven quiere lo que un hombre no da, mientras un camarero se muere por ella; un macedonio está perdido por desamor en Santiago de Compostela; una pareja de ancianos que ya se lo ha dicho todo, desayuna, come y cena en silencio. Todas estas historias se cruzan a lo largo de un día de ficción en “18 comidas”, una película de emociones servidas en torno a una mesa, un viaje por los sentimientos en la más universal de todas las luchas: la de ser feliz.

¿Qué podemos esperar?: Alberto Abuín ya nos trajo el trailer, que lo cierto es que no impresiona demasiado y era demasiado largo. La película suena a un Woody Allen lucense, o algo por el estilo, y o mucho me equivoco o pasará de puntillas por la cartelera. Con todo, no tiene que estar mal.

Dirección y guión: Xavier Ribera Perpiñá. País: España. Año: 2010. Duración: 95 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Sophie Auster (Ana), Vincent Martínez (Vic), Óscar Jaenada (Román), Misia Mur (Mía), Leticia Dolera (Ula), Michelle Jenner (Eva), Lázaro Mur (Pere). Producción: Gloria Morera y Xavier Ribera Perpiñá. Música: Pedro Alcalde. Fotografía: Julio Ribeyro. Montaje: Diego Carcoba y Xavier Ribera Perpiñá. Dirección artística: Gemma Fauria. Vestuario: Abraham Pozanco. Distribuidora: Baditri.

Sinopsis: ‘Circuit’ narra a través de flashbacks y flashforwards, que forman círculos concéntricos de espacio y tiempo, una historia de amor, de error y de tiempo, de unos protagonistas que recorren esos circuitos intentando, vuelta a vuelta, aprender a distinguir los superfluo de lo esencial. Ambientada en la Barcelona más vanguardista, los personajes se mueven dentro del mundo de la moda y la fotografía.

¿Qué podemos esperar?: Segunda película española de la semana, lo cierto es que no tiene un aspecto especialmente apasionante. Si tengo que elegir, siendo sincero, voy a ver la de Coira antes que esta.

Dirección y guión: Jay Duplass y Mark Duplass. País: USA. Año: 2010. Duración: 91 min. Género: Comedia dramática, romance. Interpretación: John C. Reilly (John), Jonah Hill (Cyrus), Marisa Tomei (Molly), Catherine Keener (Jamie), Matt Walsh (Tim). Producción: Michael Costigan. Música: Michael Andrews. Fotografía: Jas Shelton. Montaje: Jay Deuby. Diseño de producción: Annie Spitz. Vestuario: Roemehl Hawkins. Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Sinopsis: La usencia de vida social de John y el hecho de que su ex mujer Jamie, se vaya a casar de nuevo, ha marcado su fatal destino de divorciado hasta que, por fin, encuentra a la mujer de sus sueños, la preciosa y apasionada Molly. La química entre ambos es inmediata, sin embargo, Molly es inexplicablemente reacia a que su relación vaya más allá de sus visitas a la casa de John. Profundamente confuso, John decide seguirla hasta su casa y descubre al otro hombre de la vida de Molly: su hijo Cyrus, quién no está dispuesto a compartir a su madre con nadie, especialmente con John. John y Cyrus se enredan en una pugna de intelectos por la mujer que ambos aman, y, al parecer, al acabar la guerra, sólo puede quedar uno.

¿Qué podemos esperar?: Cualquier película que tenga en su reparto a la maravillosa Marisa Tomei a mí particularmente ya me tiene ganado, pero tampoco creo que sea la comedia del año, ni mucho menos. Su buen reparto puede ser aliciente suficiente para que algunos vayan a la sala y no se sientan defraudados.

Dirección y guión: Carlos Saura. País: España. Año: 2010. Duración: 96 min. Género: Musical. Intervenciones: José Mercé, Carlos García, M. Ángeles Fernández, Josemi Carmona, María Bala, Luis Fernández “El Zambo”, Jesús Méndez, Diego “El Morao”, Montse Cortés, Estrella Morente, Miguel Poveda, Sara Baras, Tomatito, Niña Pastori, Paco de Lucía, “La Tana”, Farruquito. Producción: Juan Jesús Caballero y Javier Sánchez García. Fotografía: Vittorio Storaro. Vestuario: Equipo Austen Junior. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: Hace catorce años se rodó “Flamenco”, una película cuya narración giraba en torno a los cantes, bailes y música de este hermoso arte, y que supuso un hito en la historia del musical en nuestro país. Con la experiencia y la sabiduría que el paso del tiempo ha ido impregnando en la cinematografía de Carlos Saura, y volviendo a reunir a parte del equipo que participó en aquella película (Vittorio Storaro como director de fotografía e Isidro Muñoz como asesor musical), nos adentramos de nuevo en los caminos de los actuales talentos de este arte tan vivo y dinámico, para presentar una nueva película.

¿Qué podemos esperar?: Siendo Saura un enamorado del flamenco, y con un equipo casi idéntico al de la estupenda ‘Flamenco’ (1995), puede ser muy interesante ir a ver esta propuesta, y celebrar de paso que el flamenco ha sido elegido por la UNESCO un Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.

Título original: Beauty and the beast 3D. Dirección: Gary Trousdale y Kirk Wise. País: USA. Año: 2010. Duración: 84 min. Género: Animación, familiar, fantasía, musical, romance. Doblaje original: Paige O’Hara (Bella), Robby Benson (Bestia), Richard White (Gaston), Jerry Orbach (Lumiere), Angela Lansbury (Sra. Potts), David Ogden Stiers, Bradley Pierce (Chip). Guión: Brenda Chapman, Burny Mattinson, Brian Pimental, Joe Ranft, Kelly Asbury, Chris Sanders, Kevin Harkey, Bruce Woodside, Tom Ellery y Robert Lence. Producción: Don Hahn. Música: Alan Menken. Montaje: John Carnochan. Dirección artística: Brian McEntee. Distribuidora: Walt Disney Studios Motion Pictures Spain.

Sinopsis: El clásico de Disney ‘La bella y la bestia’ regresa a los cines en formato Disney© 3D, tras casi 20 años sin haberse visto en pantalla grande. Localizada en un pintoresco pueblo de la Francia del siglo XVIII, la película sigue las aventuras de Bella, una brillante y guapa joven que utiliza la lectura como válvula de escape de su rutinaria vida. Cuando su padre es apresado en un misterioso castillo, Bella acude en su búsqueda y se presta a ocupar su lugar. El castillo es propiedad de una atormentada Bestia que, como Bella comprobará con el tiempo, resulta ser un joven príncipe bajo los efectos de un hechizo.

¿Qué podemos esperar?: Hace bastante tiempo escribí una crítica bastante elogiosa sobre una de las películas Disney más importantes de sus últimas décadas, por lo que significa de madurez estilística y de conjunción de clasicismo y modernidad. Seguro que merece la pena verla en 3D. Supongo que la Disney está pensando en hacer lo mismo con varios de sus títulos clave.

Título original: Hofshat kaits. Dirección y guión: David Volach. País: Israel. Año: 2007. Duración: 76 min. Género: Drama. Interpretación: Assi Dayan (Abraham), Sharon Hacohen Bar (Esther), Ilan Grif (Menahem). Producción: Eyal Shiray y Gill Sassower. Música: Michael Hope y Martin Tillman. Fotografía: Boaz Yakov. Montaje: Haïm Tabeckman. Dirección artística: Yoav Sinai. Distribuidora: Karma Films.

Sinopsis: Instalado con su esposa y su hijo en una comunidad ultraortodoxa en Jerusalén, el Rabino Abraham dedica su vida al estudio de la Torah y de la ley judía. Su hijo, Menahem, está en la edad en la que vemos el mundo como un lugar de curiosidades, lleno de misterios y maravillas. No opone ninguna resistencia, pero sigue sin convicción a su padre que le guía por el camino estrecho y rígido que toman los hombres de fe. Pero la voluntad de Abraham de guiar a su hijo no es más que una mota de polvo en el universo. Por este motivo, durante las vacaciones a orillas del mar Muerto, la fe de Abraham se pondrá a prueba de manera un tanto brutal…

¿Qué podemos esperar?: Se estrena con muchísimo retraso un filme que, a juzgar por su trailer, puede estar bastante bien. Posiblemente sea un tema, el de la religiosidad en la vida de un niño de pocos años, muy poco explorado, y que puede dar lugar a títulos interesantes. Puede que este lo sea. A Jesús León le gustó bastante.

Dirección: Juana Macías. País: España. Año: 2010. Duración: 90 min. Género: Drama. Interpretación: Carme Elías (Antonia), Goya Toledo (Inés), Ana Labordeta (Marian), Aura Garrido (Mónica), Jorge Bosch (julio), Brendan Price (Bryan), Adrián Marín (Raúl), Pablo Viña (Ernesto), Christophe Miraval (Alberto), Maite Blasco (madre de Inés). Guión: Juana Macías, Juan Moreno y Alberto Bermejo. Producción: Guillermo Sempere. Música: Ignacio Pérez. Fotografía: Guillermo Sempere. Montaje: Juana Macías. Dirección artística: Óscar Sempere. Vestuario: Clara Bilbao. Distribuidora: A Contracorriente Films.

Sinopsis: Hoy, el día que pasamos junto a Inés, Antonia, Marian y Mónica, es el más importante de sus vidas, es el día en que deberán elegir entre atreverse a volverlo todo del revés o marchitarse lentamente en los errores antiguos. En una lucha contra la rutina y los estereotipos, contra sus propios miedos y sentimientos de culpa, tienen la oportunidad de empezar desde cero, aunque para ello deberán ser capaces de romper los moldes en los que han vivido encerradas hasta ahora y atreverse a reinventarse a sí mismas. Sea cual sea la decisión que tomen, a partir de ese día, su vida no volverá a ser igual.

¿Qué podemos esperar?: Cuarta película española de la semana, nada menos. Es el debut en la dirección de una directora que hasta ahora había hecho varios cortos. El reparto parece interesante y el trailer no está mal. Habrá que darle una oportunidad.

Dirección y guión: Emilio Estevez. País: España. Año: 2010. Duración: 121 min. Género: Drama. Interpretación: Martin Sheen (Tom Avery), Deborah Kara Unger (Sarah), Yorick Van Wageningen (Jost), James Nesbitt (Jack), Emilio Estevez (Daniel), Tcheky Karyo (Henry), Ángela Molina (Angélica), Joaquim de Almeida (padre José), Eusebio Lázaro (Ramón), Simón Andreu (don Santiago). Producción: Julio Fernández y David Alexanian. Música: Tyler Bates. Fotografía: Juanmi Azpiroz. Montaje: Raúl Dávalos. Dirección artística: Víctor Molero. Vestuario: Tatiana Hernández. Distribuidora: Filmax.

Sinopsis: Tom Avery es un reputado oftalmólogo que vive en California. Un día recibe una llamada desde Francia en la que se le comunica que su hijo Daniel ha fallecido en un temporal en los Pirineos. A pesar de que la relación con él nunca fue muy buena por tener una visión opuesta de la vida, Tom está desolado y viaja a Francia para recuperar a su hijo. Allí descubre que Daniel comenzaba a hacer el Camino de Santiago y decide hacerlo por él. La última oportunidad de un padre para conocer a su hijo se convertirá en la primera oportunidad para empezar una nueva vida.

¿Qué podemos esperar?: Y quinta película española, aunque esta vez dirigida por un actor de trayectoria estadounidense como Estevez, y protagonizada por su padre, el gran Martin Sheen. Hace un tiempo Alberto Abuín nos trajo su trailer y cartel, y lo cierto es que tiene muy buena pinta.

Y esto es todo.

Vía | La Butaca

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'Apocalypto', la caza del hombre

¡Soy garra de Jaguar y soy cazador! ¡Y mis hijos cazarán en este bosque después de mí!

-Garra de Jaguar

La imagen que abre este post define perfectamente la esencia de ‘Apocalypto’: cinética en estado puro, movimiento perpetuo de los personajes, sin tregua, siempre hacia delante. Quizá es ésta la definición perfecta del buen cine de aventuras. Y es que el film dirigido por Mel Gibson es puro espectáculo arrollador, de los que hacen que la platea vibre con las andanzas de sus personajes y sufra ante su incierto destino. Esto que parece tan obvio, se ha convertido en una especie de quimera dentro del panorama actual del cine de acción, postrado ante el dios de los efectos especiales y confundido hace tiempo ya el ritmo con la sucesión espasmódica de planos y más planos. Por eso cobran más valor cintas como ésta, que recuperan la dignidad de un género arrastrado por el barro demasiadas veces. El bajito actor australiano vuelve a demostrar que sabe de qué va esto del cine, le pese a quien le pese.

No corren buenos tiempos para Mel Gibson. Sus excesos verbales y su errática conducta han conseguido que la industria hollywoodiense dé la espalda a uno de sus mayores activos. El tipo que no hace tanto convertía en oro todo lo que tocaba, se ha convertido en un apestado. ¿No me creéis? Su ansiado y apetecible proyecto sobre vikingos ha quedado aplazado sine die tras la deserción de Leonardo DiCaprio; la última película de su amiga Jodie Foster, protagonizada por él mismo no consigue ver la luz y por si fuera poco, el elenco de ‘Resacón en las Vegas 2’ que se encuentra en pleno rodaje, ha vetado la presencia del actor, siendo sustituído por Liam Neeson. Sería una lástima que viera su carrera truncada por su conducta fuera de las pantallas. Pero como esto es un blog de cine, obviemos el carácter del señor Gibson y vayamos a lo que realmente importa: su obra.

Nos encontramos en lo más profundo de la américa precolombina. La primera escena recuerda poderosamente a la que abre ‘Ciudad de Dios’ (‘Cidade de deus’, Fernando Meirelles, 2002): una cámara frenética sigue a ras de suelo a un tapir —como la gallina del film brasileño— perseguido por una tribu de indígenas maya. La persecución termina brutalmente, pero suavizada por las risas de los miembros de la tribu. Mel Gibson nos recuerda que es éste un mundo muy distinto al nuestro y conceptos como la crueldad, no poseen el mismo significado. La violencia es implícita a la vida, y no se concibe la una sin la otra. Por otra parte, el escenario es de una exhuberancia total. En un mundo donde los placeres son cada vez más virtuales, la fisicidad y sensualidad de ‘Apocalypto’ sumergen al espectador en un espectáculo sensorial de primer orden. También ayuda a la inmersión la decisión del director de respetar el dialecto original de los mayas —opción adoptada también en ‘La Pasión de Cristo’, utilizando en aquella ocasión el latín, hebreo y arameo—.

La estructura del film es harto sencilla —que no simple, ojo, que se lo digan si no a Clint Eastwood—: tras unos primeros veinte minutos en los que conoceremos a los protagonistas y y su entorno —una primitiva y humilde aldea en medio de la selva— pronto se presenta el conflicto: una salvaje tribu rival asalta el poblado diezmando a la población y capturando al resto —salvo a los niños, que quedarán abandonados a su propia suerte en una desgarradora escena—. Los cautivos serán vendidos como esclavos o directamente ofrecidos como sacrificios humanos al dios Kukulkan. La huída del protagonista de su funesto destino centrará la segunda parte de una película honesta como pocas: da lo que promete, y con creces.

El trayecto de los indios convertidos en esclavos hasta su destino final —una ominosa pirámide desde cuya cumbre ruedan cabezas humanas y rodeada por masas de enfervorecidos creyentes— muestra al espectador un mundo ya extinguido, extraño, hostil y tan distinto a todo lo que conocemos, que la sensación es la misma que provocaría un viaje por Marte. La ambientación del film en esta parte es brutal, y también lo más criticado. Los historiadores pusieron el grito en el cielo por la multitud de incorreciones históricas que presenta la película, y sobre todo, con la manera tan sanguinaria de presentar a la cultura maya, un pueblo realmente muy adelantado a su tiempo y mucho más civilizado de lo que muestra Mel. Pero no hay que olvidar que esto es cine de espectáculo, no un documental antropológico, y el director simplemente coge las partes que le parecen pertinentes para contar su historia, magnificando unas y eclipsando otras. Ningún film es inocente, y éste tampoco lo es, pero reconozco que me rindo ante el ruido y la furia del relato y me olvido de posibles afrentas históricas. Mea culpa.

La segunda parte de ‘Apocalypto’ consiste en una brutal caza del hombre, lo que la emparenta con clásicos como ‘El malvado Zaroff’ (‘The Most Dangerous Game’, Ernest B. Schoedsack, Irving Pichel, 1932) o ‘La presa desnuda’ (‘The Naked Prey’, Cornel Wilde, 1966). Aquí la naturaleza se erige como protagonista absoluta y el protagonista se aprovecha de su conocimiento del medio para hacer frente a sus captores. El relato mete la directa y la pantalla se convierte en un frenesí de cataratas, fieras salvajes, arenas movedizas y trampas mortales. La cámara adopta muchas veces el punto de vista de sus frenéticos personajes y el patio de butacas se convierte en una montaña rusa. That’s entertaiment!. Como gimmick final, Mel Gibson nos descubre que estamos ante el relato del fin de una era, de un mundo, y el final feliz se tiñe de amargura. El director cede el testigo al Terrence Malick de ‘El nuevo mundo’ (‘The New World’, 2005) y salimos del cine zarandeados. Como tiene que ser.

‘Apocalypto’, carne y sangre
‘Apocalypto’, pura emoción
‘Apocalypto’, menuda estupidez. Y, encima, aburrida

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